Avec Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Armand Verdure 

Genre : Drame

Sortie le 17 mars 2012

L'histoire : Nord de la France. Ali est seul, sans argent, sans amis, sans domicile avec son fils de 5 ans qu'il ne connaît pas vraiment. Heureusement, sa sœur l'héberge bientôt dans le garage de son pavillon à Antibes tout en prenant en charge l'enfant.
Les choses s'améliorent pour le jeune père de famille et son chemin croise celui de la belle Stéphanie après une bagarre en boite de nuit. Elle exerce le métier passionnant de dresseuse d'orques et se produit avec eux dans de nombreux spectacles.
Mais un terrible accident survient lors d'un show et la prive de ses jambes... Elle reprend alors contact avec Ali...

La critique : Ces temps ci, le handicap est à la mode au cinéma, et l’on a pu constater à travers le succès mérité de plusieurs comédies (Intouchables et Hasta la vista), qu’il était possible d’aborder le sujet sans pathos tout en n’évitant pas les questions sensibles (la sexualité notamment). Ici et pour son nouveau film en compétition à Cannes, Audiard choisit le mélodrame et, là où l’on aurait pu craindre le retour malvenu des bons sentiments, signe un tour de force visuel qui touche juste.

On retrouve dans ce film, adapté de plusieurs nouvelles du canadien C. Davidson¹ dont le style, tout en réalisme percutant, correspond bien à l’esthétique du cinéaste, ce qui fait la force du cinéma d’Audiard (et qui était déjà sensible dans Un prophète) à savoir une maîtrise formelle qui évite l’académisme froid. Le réalisateur de Sur mes lèvres bouscule les codes cinématographiques pour mieux les réinventer, ouvrant des brèches de poésie visuelles au cœur des scènes les plus chargées d’enjeux dramatiques (l’accident de Stéphanie), comme pour nous indiquer que, de la réalité la plus sombre, peuvent (re)naître l’espoir et le rêve.

C’est précisément cela que le film raconte, sans mièvrerie ni voyeurisme mais avec une force rare, la renaissance de deux êtres qui vont découvrir en eux-mêmes (mais aussi l’un par l’autre, l’un avec l’autre) des ressources insoupçonnées. L’une en apprivoisant son corps amputé (image du désir amoureux, ce manque à combler, qui va surgir quand elle ne l’attendait plus ?), l’autre en laissant parler les intermittences d’un cœur que les coups donnés et encaissés par son corps de boxeur surpuissant semblaient condamner au pire au silence, au mieux à une expression précaire et maladroite car proprement dénuée de ce sens offert par le dénouement.

Si le film échappe ainsi au double écueil du misérabilisme de film noir et du sentimentalisme mélodramatique pour devenir une parabole sur la nécessité d’espérer en temps de crise, c’est en grande partie au talent de directeur d’acteurs d’Audiard qu’il le doit. On a rarement vu Marion Cotillard (Stéphanie) aussi bouleversante, capable de jouer sur une palette d’émotions allant de la séduction pleine d’assurance et de désinvolture des débuts à la rage quasi animale d’une femme qui voit son corps et son destin se briser (sa colère dans la boîte de nuit est poignante). Mais la plus belle performance, tout en ambiguïté, revient sans conteste au prometteur Matthias Schoenaerts, qui mériterait, après Tahar Rahim, une récompense à Cannes. Le retour parmi les hommes de cette bête blessée (ce thème de l’animalité en l’homme était déjà présent dans Bullhead, le film qui l’a révélé), Audiard le donne à voir en filmant une danse des corps dont il semble être à la fois le chorégraphe attentif et le spectateur fasciné. Ce corps, c’est d’abord celui du boxeur-fauve se livrant à des combats illégaux (occasions de scènes à la violence difficilement supportable, où la tension est illustrée par une réalisation nerveuse multipliant les plans rapprochés et les effets de bougé) pour venir en aide à ses proches dans le besoin (sa sœur Anna, qui accepte de l’héberger avec son fils Sam (Armand Verdure), est interprétée avec talent par Corinne Masiero, révélée au grand public pour son rôle dans Louise Wimmer).

C’est ensuite celui du nageur-orque auprès de qui, dans une séance de baignade en forme de baptême à la beauté et à la fraîcheur solaires, l’ancienne dresseuse aquatique va reprendre possession de son corps meurtri, jusqu’à ce que, centaure d’un nouveau genre, ces deux physiques hors normes ne fassent plus qu’un. Car ce corps massif, qui couche comme il combat (en matière de femmes, Ali ne connaît que les « coups », normal pour un boxeur, me direz vous) est aussi un corps protecteur et fonctionnel, capable de se mettre au service de Stéphanie pour qu’elle recommence à croire au plaisir, mais comme le ferait un soignant. Entre puissance inquiétante et fragilité toujours prête à affleurer, impulsivité menaçante et brutale et tendresse insoupçonnée, Matthias Schoenaerts compose un personnage qui, à l’image du film, marche au-dessus de l’abîme sans jamais y tomber pour, en bout de course, trouver la lumière au cœur du drame.

Pour conclure, on peut dire que ce film illustre d’une autre manière que les sorties récentes mentionnées plus haut la portée universelle du handicap. Plutôt que de dire que les handicapés sont des hommes comme les autres, il fait du handicap, nouvelle prison symbolique après celle, bien réelle d’Un prophète, une métaphore de la crise, suggérant qu’aujourd’hui les hommes sont des handicapés comme les autres, qu’il s’agisse d’un handicap physique ou social. Audiard réussit donc une fois encore, entre réalisme social parfois trop appuyé et puissant lyrisme visuel porteur d’espoir, un film coup de poing à fleur de peau qui ne vous laissera pas indifférent.

La note d'Etats Critiques : 8/10

Sources images : lexpress.fr, allocine.fr

¹C. Davidson, De rouille et d’os, Paris, Albin Michel, 2006

Le long week-end de l’Ascension est l’occasion de rester au chaud ou au frais c’est selon, devant un bon film. On vous recommande aujourd’hui : Les Fils de l’Homme, un thriller saisissant qui nous plonge dans un Londres futuriste, rongé par la maladie, la guérilla et le terrorisme…

Après avoir fait une incursion remarquée dans l’univers d’Harry Potter dont nous reparlerons bientôt, le réalisateur mexicain Alfonso Cuarón livre sa vision d’un livre éponyme de P.D. James paru en 1994.

Londres 2027. Les hommes sont devenus stériles et semblent par conséquent, condamnés à l’extinction… Pour ne rien arranger le « cadet » de l’humanité affectueusement dénommé "bébé Diego", meurt tragiquement à l’âge de dix-huit ans… Cette terrible nouvelle plonge encore plus le monde dans la violence, et le chaos… Seul Theo Faron (Clive Owen), un activiste politique repenti reconverti en discret employé de bureau semble indifférent au désespoir ambiant.

Mais la violence de la société ne tarde pas le rattraper... Bientôt, Il assiste ainsi à l’explosion d’un café qu’il vient juste de quitter ! Encore sous le choc, il est enlevé par les « Poissons », une groupuscule menant des actions terroristes pour défendre les droits des immigrés avec… Son ex-femme Julian Taylor (Julianne Moore) à sa tête ! Elle lui offre 5 000 £ s’il parvient à obtenir un laisser-passer au profit de Kee, une jeune femme africaine. C’est bientôt chose faite mais les Poissons ne le lâchent pas pour autant, il se retrouve chargé de la protection de la jeune femme qui lui révèle qu’elle est enceinte… La première depuis dix-huit ans ! Autant dire qu'un bon nombre de personnes pas toujours très bien intentionnées ne tardent pas à partir à sa recherche... Seul solution pour Theo et Kee : fuir.

Les Fils de l’Homme nous plonge un monde apocalyptique futuriste ultra-réaliste : oubliez les voitures volantes et autres pistolets lasers. Ils y a bien ici et là quelques gadgets high tech mais on ne s’en préoccupe guère, tant l’atmosphère de fin du monde qui enveloppe le film nous happe, donnant vie à nos pires angoisses contemporaines… Que serait un monde sans les rires des enfants ? Que serait un monde sans la jeunesse et l’espoir qu’elle porte en elle ? L’œuvre d’Alfonso Cuarón prend une dimension prémonitoire qui fait réfléchir le spectateur et lui fait prendre conscience que nos sociétés actuelles reposent sur un équilibre fragile, proche de l'écroulement au moindre petit grain de sable… Cela n’est pas sans faire écho à la crise économique que nous traversons...

Ce qui place Les Fils de l’Homme au rang de chef d’œuvre, c’est non seulement sa construction implacable que nous venons d’évoquer mais également sa qualité formelle qui prouve que son réalisateur fait parti des grands cinéastes de notre temps. En effet, le plan séquence est ici hissé au rang d'art et ce film devrait être diffusé dans les écoles de cinéma rien que pour cela ! En effet, par ce procédé, la caméra devient un personnage à part entière, placé au cœur de l'action. Le spectateur fait bien plus que s'identifier au personnages, il est avec eux ! On pense notamment à une scène d'anthologie où les principaux protagonistes tentent de fuir en voiture avant de faire face à une embuscade très violente... On est dans la voiture aussi ! Le plan séquence permet, en plus, de vivre l'action en temps réel, ce qui renforce cet incroyable sentiment d'immersion, véritable tour de force rarement égalé au cinéma...

Côté casting, outre la perfomance éblouissante de Clive Owen qui porte le film de bout en bout, on apprécie de voir Micheal Caine qui crève l'écran en vieillard hippie cultivateur de canabis et fan de musique métal ! Dépêchez-vous vite de découvrir ce petit bijou malheureusement passé un peu trop inaperçu à sa sortie... 

Thriller, Science-Fiction. Etats-Unis, Royaume-Uni. 2006. Réal : Alfonso Cuarón.

Titre original : Children of Men

Avec Clive Owen, Julianne Moore, Micheal Caine. 1 h 50.

Sources images : traqueur-stellaire.net, allocine.fr, toutlecine.com

Nationalité : Franco-américaine

Avec Guy Pearce, Maggie Grace, Lennie James

Genre : Action, Science-Fiction

Sortie le 18 avril 2012

L'histoire : An 2079. Snow un agent trouble est accusé de meurtre. Après avoir subi un interrogatoire musclé dans les locaux de la locaux de la police, est condamné à être plongé dans un sommeil artificiel à MS One, une prison orbitale expérimentale qui rassemblent les 500 criminels les plus dangereux des Etats-Unis.

Pendant ce temps, Emilie Warnock la fille du président des Etats-Unis, se rend dans cette même prison à la tête d'une mission humanitaire pour contrôler les conditions de détention des prisonniers. Mais rapidement, les évènements dégénèrent : une mutinerie violente éclate et elle se retrouve prise en otage... Snow est alors sorti du placard avec une seule mission à accomplir : sauver la fille du Président...  

La critique : Après le risible Taken réalisé par Pierre Morel mettant en scène un père de famille très énervé (Liam Nesson) à la recherche de sa fille (Maggie Grace) enlevée à Paris, Luc Besson récidive avec une nouvelle production franco-américaine. Quoi de neuf ? Pas grand-chose malheureusement. La fille en détresse (Maggie Grace) reprend du service, sauf que, cette fois, elle est retenue prisonnière dans l'espace ! C'est Guy Pearce (récemment vu dans Le Pacte) qui prend la suite de Liam Nesson pour botter les fesses des méchants prisonniers mutins, violents et pervers...

Du Luc Besson « façon hamburger » comme il nous a (trop) habitué ces dernières années...

En clair : je fais croire que vous allez voir un bon film d'action alors que je n'y mets pas vraiment les moyens...

Résultat  : un long-métrage sans grand intérêt digne d'une diffusion en prime time sur une chaine de la TNT... Pourtant L'idée de départ n'est pas mauvaise et plutôt originale mais le côté « bon marché » des effets spéciaux couplé avec un scénario ultra convenu dans la lignée de Battleship nous fait vite décrocher...

On collectionne aussi les invraisemblances, l'action est censée se dérouler en 2079 mais le héros utilise un téléphone tactile... de 2012 et fume une bonne vieille cigarette ! Il y a pas eu vraiment d'effort conceptuel, le film n'assume pas sa dimension futuriste... Frustrant !

Les costumes ne sont pas beaucoup mieux à l'image de la combinaison spatiale de Snow qui tient plus du déguisement rembourré que de la tenue high tech...

Il en est de même pour les décors, prison spatiale en tête : la porte du sas d’entrée est… En vulgaire plastique ! Les spectateurs attentifs pourront même la voir… Onduler lorsqu’elle s’ouvre et que Snow pénètre dans la station ! Certes, ce sont des détails mais l’intrigue est tellement vide et inintéressante qu’on ne voit que ça ! Le retournement final parvient à peine à nous réveiller, c'est dire ! 

La distribution ne rattrape pas vraiment l’ensemble : les détenus ultra-violents ont un peu trop le physique de l’emploi et manquent vraiment de subtilité… Seules réjouissances : les quelques bons mots de Guy Pearce, la présence de Lennie James (inoubliable Robert Hawkins dans la série Jericho) et Maggie Grace qui illumine le film de son charme et de sa douceur…    

La note d'Etats Critiques : 3/10

Sources images: actucine.com, vulturehound.co.uk, analoghype.com, thetalentzone.co.uk